Krótka biografia Rembrandta i jego twórczości. Najsłynniejsze dzieła Rembrandta
Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) największy holenderski artysta, malarz, rytownik i rysownik. Urodzony w rodzinie młynarskiej w Lejdzie, gdzie pracował do około 1632 roku, po czym przeniósł się do Amsterdamu. W 1634 roku Rembrandt poślubił dziewczynę z zamożnej rodziny, Saskię van Uylenburch, której wizerunek uwieczniał na wielu portretach z niezwykłą czułością i miłością.
Od lat czterdziestych XVII wieku w twórczości Rembrandta, zwłaszcza w obrazach o tematyce religijnej, znaczenie zyskał światłocień, tworzący napiętą atmosferę emocjonalną. Artystę interesuje ukryta istota zjawisk, złożony wewnętrzny świat ukazanych postaci.
W 1642 roku los zadaje Rembrandtowi ciężki cios – Saskia umiera. W tym samym roku napisał swoje najwybitniejsze i sławny obraz Nocna Straż, której rozwiązanie kompozycyjne nie ma nic wspólnego z tradycyjnym portretem grupowym.
Jego najnowsze prace zadziwiają precyzją wykonania. W ostatnich autoportretach Rembrandta, które stały się zwieńczeniem jego niezrównanej galerii portretów, widz zostaje przedstawiony jako człowiek ze stoickim spokojem znoszący trudne próby i gorycz straty (w 1668 stracił ukochaną Hendrickje Stoffels, a w 1668 syna Tytusa). .
Rembrandt stworzył wspaniałe dzieła niemal we wszystkich gatunkach i stosował różnorodne techniki pisarskie (malarstwo, rysunek, akwaforta). Największy mistrz, wywarł wpływ na wielu znanych artystów. Aureola sławy wokół nazwiska Rembrandta nie osłabła, a po jego śmierci zyskał prawdziwe uznanie jako jeden z najwybitniejszych malarzy wszechczasów.
Obrazy Rembrandta:
Danae 1636-1647 |
||
Co rozsławiło Rembrandta Harmensa van Rijna? Jego nazwisko powinno być znane każdemu wykształconemu człowiekowi. To utalentowany holenderski artysta, rytownik, niezrównany mistrz światłocienia, jeden z największych przedstawicieli Złotego Wieku - wybitnej epoki malarstwa holenderskiego, która miała miejsce w XVII wieku. Artykuł opowie o życiu i twórczości tej utalentowanej osoby.
Początek drogi
Rembrandt van Rijn przyszedł na ten świat w lipcu 1606 roku. Urodził się w rodzinie zamożnego młynarza. Był dziewiątym dzieckiem, najmłodszym w rodzinie. Jego rodzice byli ludźmi oświeconymi. Wcześnie zauważyli, że chłopiec był w naturalny sposób obdarzony inteligencją i talentem, dlatego zamiast zajmować się rzemiosłem, postanowili wysłać go „do nauki”. I tak Rembrandt trafił do szkoły łacińskiej, gdzie uczył się pisania, czytania i studiowania Biblii. W wieku 14 lat pomyślnie ukończył szkołę i został studentem słynnego wówczas w całej Europie Uniwersytetu w Lejdzie. Młody człowiek był najlepszy w malarstwie, a jego rodzice po raz kolejny wykazali się mądrością i przewidywaniem. Zabrali syna z uniwersytetu i odbyli termin u artysty Jacoba Isaaca Svanenbuercha. Trzy lata później Rembrandt van Rijn odniósł taki sukces w rysowaniu i malarstwie, że sam Peter Lastman, kierujący amsterdamską szkołą malarstwa, zaczął rozwijać swój talent.
Wpływ władz
Wczesna twórczość Rembrandta van Rijna kształtowała się pod wpływem takich autorytetów jak holenderski mistrz malarstwa Pieter Lastman, niemiecki artysta Adam Elsheimer i holenderski artysta Jan Lievens.
Różnorodność, barwa i dbałość o szczegóły Lastmana doskonale widać w takich dziełach Rembrandta jak „Ukamienowanie św. Szczepana”, „Chrzest eunucha”, „Scena z Historia starożytna”, „Dawid przed Saulem”, „Alegoria muzyki”.
Jan Lievens, przyjaciel Rembrandta, pracował z nim ramię w ramię we wspólnej pracowni od 1626 do 1631 roku. Ich dzieła pod wieloma względami nakładają się na siebie, a ich style są tak podobne, że nawet doświadczeni krytycy sztuki często mylą ręce mistrzów.
Bohaterem naszego artykułu kierował się Adam Elsheimer, rozumiejąc znaczenie światłocienia dla przekazania nastroju i emocji na płótnie. Wpływ niemieckiego malarza wyraźnie widać w dziełach „Przypowieść o głupim bogaczu”, „Chrystus w Emaus”, „Symeon i Anna w świątyni”.
Manifestacja indywidualności. Powodzenie
W 1630 r. zmarł Harmen van Rijn, jego majątek został podzielony pomiędzy starszych braci Rembrandta. Młody artysta przez pewien czas pracował w warsztacie w domu ojca, jednak w 1631 roku wyjechał w poszukiwaniu szczęścia do Amsterdamu.
W stolicy królestwa zorganizował warsztat i zaczął specjalizować się w sztuce portretowej. Umiejętne wykorzystanie światłocienia, charakterystyczna mimika, oryginalność każdego modelu – wszystko to charakteryzowało ukształtowanie się szczególnego stylu artysty. Rembrandt van Rijn zaczął otrzymywać masowe zamówienia i osiągnął sukces komercyjny.
W 1632 roku otrzymał zamówienie na portret zbiorowy. Dzięki temu światło dzienne ujrzała kreacja „Lekcja anatomii doktora Tulpa”. Genialne dzieło, za które Rembrandt otrzymał wysokie wynagrodzenie, nie tylko go gloryfikowało, ale ostatecznie potwierdziło dojrzałość twórczą artysty.
Muza
Podczas wizyty towarzyskiej modna młoda artystka poznaje córkę burmistrza miasta, Saskię. Rembrandta przyciągnęły nie tyle cechy zewnętrzne dziewczyny (nie uważano jej za piękność, choć była ładna i wesoła), ale raczej jej pokaźny posag, który przyciągnął Rembrandta i po sześciu miesiącach od poznania młodzi ludzie zaręczyli się, a po roku później pobrali się legalnie. Małżeństwo pozwoliło bohaterowi naszego artykułu wejść do najwyższych kręgów społeczeństwa.
Nowożeńcom żyło się dobrze. Rembrandt van Rijn namalował wiele portretów swojej żony, w tym także tę, która pozowała mu przy tworzeniu arcydzieła „Danae”. Jego dochody w tamtym czasie były kolosalne. Kupił rezydencję w najbardziej prestiżowej dzielnicy Amsterdamu, wyposażył ją w luksusowe meble i stworzył imponującą kolekcję dzieł sztuki.
Z małżeństwa urodziło się czworo dzieci, ale przeżył tylko najmłodszy syn Tytus, urodzony w 1641 roku. W 1642 roku Saskia zmarła z powodu choroby. Wygląda na to, że zabrała ze sobą szczęście mistrza.
Zanikająca chwała. Kłopoty życiowe
Od 1642 roku artystę nęka zły los. Rembrandt van Rijn osiąga szczyt swojego talentu. Jego płótna cieszą się jednak coraz mniejszą popularnością, a on sam stopniowo traci klientów i studentów. Biografowie tłumaczą to po części samowolą mistrza: kategorycznie odmawia on pójścia za przykładem swoich klientów i tworzy tak, jak podpowiada mu serce. Drugą przyczyną zanikającej sławy wielkiego malarza są, co dziwne, jego umiejętności i wirtuozeria, których zwykli ludzie nie mogli zrozumieć i docenić.
Życie Rembrandta zmienia się: stopniowo popada w biedę, przenosi się z luksusowej rezydencji do skromnego domu na obrzeżach miasta. Ale nadal wydaje ogromne sumy na dzieła sztuki, co prowadzi do jego całkowitego bankructwa. Dorosły syn Tytus i Hendrikje, kochanka Rembrandta, z której związku miał córkę Kornelię, biorą sprawy finansowe w swoje ręce.
„Kompania kapitana Fransa Baninga Cocqa” - 4-metrowe płótno, największy obraz mistrza, „Kąpiąca się”, „Flora”, „Tytus w czerwonym berecie”, „Adoracja pasterzy” - to dzieła mistrza, napisaną przez niego w trudnym okresie jego życia.
Późniejsze dzieła
W ostatnich latach życia Rembrandt van Rijn, którego biografia została przedstawiona w artykule, osiągnął wyżyny swojej twórczości. Wyprzedził swoich współczesnych o dwa wieki i przewidział kierunki rozwoju sztuki XIX-wiecznej w dobie realizmu i impresjonizmu. Cechą charakterystyczną jego późniejszych dzieł jest monumentalizm, wielkoformatowe kompozycje i klarowność obrazów. Szczególnie charakterystyczne pod tym względem są obrazy „Arystoteles z popiersiem Homera” i „Spisek Juliusa Civilisa”. Płótna „Powrót” przesiąknięte są głębokim dramatem syn marnotrawny", "Artakserkses, Haman i Estera" oraz "Żydowska panna młoda". W ostatnich latach życia mistrz namalował wiele autoportretów.
Rembrandt van Rijn, którego obrazy są prawdziwymi arcydziełami sztuki, zmarł w biedzie w 1969 roku. Został pochowany cicho w kościele Westerkerk w Amsterdamie. Doceniono to dopiero kilka wieków później.
Rembrandt Harmens van Rijn: obrazy geniuszu
Podczas swojej krótkiej podróży po Ziemi Rembrandt namalował około 600 obrazów, stworzył około 300 rycin (rycin na metalu) i prawie 1500 rysunków. Większość jego dzieł przechowywana jest w Rijksmuseum – Muzeum Sztuki w Amsterdamie. Jego najsłynniejsze obrazy:
- „Lekcja anatomii” (1632).
- „Autoportret z Saskią” (1635).
- „Danae” (1636).
- „Nocna straż” (1642).
- „Powrót syna marnotrawnego (166(7?)).
Rembrandt to jeden z najwybitniejszych artystów w historii. Powtórz to charakterystyczny styl nikomu się to dotychczas nie udało. Zdolny i utalentowany syn młynarza pozostawił po sobie bezcenne dziedzictwo – arcydzieła sztuki światowej.
Biografia:
Urodzony w holenderskim mieście Leiden w 1606 roku, 15 lipca. Ojciec Rembrandta był zamożnym młynarzem, jego matka była dobrą piekarką i była córką piekarza. Nazwisko „van Rijn” dosłownie oznacza „z Renu”, czyli z rzeki Ren, gdzie pradziadkowie Rembrandta mieli młyny. Z 10 dzieci w rodzinie Rembrandt był najmłodszy. Inne dzieci poszły w ślady rodziców, ale Rembrandt wybrał inną drogę – artystyczną i kształcił się w szkole łacińskiej.
W wieku 13 lat Rembrandt zaczął uczyć się malarstwa, a także wstąpił na miejski uniwersytet. Wiek wtedy nikomu nie przeszkadzał, najważniejsza była wówczas wiedza na poziomie. Wielu uczonych sugeruje, że Rembrandt wstąpił na uniwersytet nie po to, aby studiować, ale aby uzyskać odroczenie z wojska.
Pierwszym nauczycielem Rembrandta był Jacob van Swanenburch. Przyszły artysta spędził w swojej pracowni około trzech lat, po czym przeniósł się do Amsterdamu, aby studiować u Pietera Lastmana. Od 1625 do 1626 Rembrandt wrócił do rodzinnego miasta i nawiązał znajomości z artystami i niektórymi uczniami Lastmana.
Niemniej jednak, po głębokim namyśle, Rembrandt zdecydował, że jego kariera artystyczna powinna być kontynuowana w stolicy Holandii i ponownie przeniósł się do Amsterdamu.
W 1634 roku Rembrandt poślubił Saskię. Do czasu zawarcia małżeństwa każde z nich miało szczęście (Rembrandt poprzez malarstwo, a rodzice Saskii pozostawili imponujący spadek). Nie było to więc małżeństwo dla pozoru. Naprawdę kochali się ciepło i namiętnie.
W latach 1635 – 1640. Żona Rembrandta urodziła troje dzieci, ale wszystkie zmarły jako noworodki. W 1641 r. Saskia urodziła syna, któremu nadano imię Tytus. Dziecko przeżyło, ale niestety sama matka zmarła w wieku 29 lat.
Po śmierci żony Rembrandta nie był sobą, nie wiedział, co robić, a ukojenie znajdował w rysowaniu. To właśnie w roku śmierci żony ukończył obraz „Nocna straż”. Młody ojciec nie mógł sobie poradzić z Tytusem i dlatego zatrudnił dla dziecka nianię – Gertje Dirks, która została jego kochanką. Minęły jakieś 2 lata i zmieniła się niania w domu. Stała się młodą dziewczyną Hendrikje Stoffels. Co się stało z Geertje Dirksem? Pozwała Rembrandta, uważając, że naruszył umowę małżeńską, ale przegrała spór i trafiła do domu poprawczego, gdzie spędziła 5 lat. Po wyjściu na wolność zmarła rok później.
Nowa niania Rembrandta, Hendrikje Stoffels, urodziła dwójkę dzieci. Ich pierwsze dziecko, chłopiec, zmarło w niemowlęctwie, a ich córka Carnelia, jedyna, która przeżyła ojca.
Niewiele osób o tym wie Rembrandt miał bardzo charakterystyczną kolekcję, w którym znalazły się obrazy włoskich artystów, różne rysunki, ryciny, różne popiersia, a nawet broń.
Upadek życia Rembrandta
Sprawy Rembrandta nie układały się pomyślnie. Pieniędzy zabrakło, liczba zamówień spadła. Dlatego artysta sprzedał część swojej kolekcji, ale to go nie uratowało. Groziło mu więzienie, ale sąd przychylił się do jego prośby, więc pozwolono mu sprzedać cały swój majątek i spłacić długi. Przez pewien czas mieszkał nawet w domu, który już do niego nie należał.
Tymczasem Tytus i jego matka zorganizowali firmę zajmującą się handlem dziełami sztuki, aby w jakiś sposób pomóc Rembrandtowi. Prawdę mówiąc, artysta do końca życia nie spłacił wielu, ale nie zepsuło to reputacji Rembrandta, pozostał on w oczach ludzi osobą godną.
Śmierć Rembrandta była bardzo smutna. W 1663 roku zmarła ukochana artysty Hendrickje. Jakiś czas później Rembrandt pochował swojego syna Tytusa i swoją narzeczoną. W 1669 roku, 4 października, sam odszedł z tego świata, ale na zawsze pozostawił ślad w sercach kochających go ludzi.
Powrót syna marnotrawnego, 1669. Olej na płótnie, 262x206.
Chyba żaden inny obraz Rembrandta nie budzi tak wzniosłych uczuć jak ten obraz. Fabuła została zaczerpnięta z Nowego Testamentu. Jezus opowiada przypowieść o synu, który otrzymuje część majątku ojca i roztrwoni go w dalekiej krainie, żyjąc rozpustnie. Kiedy nabierze odwagi i wróci do domu, ojciec natychmiast mu przebacza i przyjmuje z radością. Religijne znaczenie tej przypowieści jest takie: bez względu na to, jak ktoś zgrzeszy, pokuta zawsze zostanie nagrodzona radosnym przebaczeniem. Tutaj Rembrandt najwyraźniej podjął się zbadania uniwersalnego znaczenia przypowieści. Krótko ostrzyżone włosy na głowie syna marnotrawnego i wytarte ubranie mówią same za siebie, a kołnierzyk zachowuje nutę dawnego luksusu. Buty były zniszczone, upuścił jedno, klękając przed ojcem. Ojciec przytula syna do piersi, przebaczając mu. Charakterystyczne jest, że Rembrandt unika konfliktu w przypowieści: mówi ona o zazdrości posłusznego syna, choć może on stoi w cieniu za ojcem.
Święta Rodzina i aniołowie, 1645. Olej na płótnie, 117x91.
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu
Obraz ten, przepojony niezwykłą czułością, potwierdza dar Rembrandta do łączenia tego, co boskie i ziemskie, do tego stopnia, że nie da się już ich rozgraniczyć. Matka Boża przerwała czytanie, aby wyprostować zasłonę na Dzieciątku, a może zakryć Jego twarz przed jaskrawym światłem, co miało podkreślić Jego wielkość. Pełna czułości Maryja pochyliła się nad Jezusem z iście macierzyńską troską, raz jeszcze sprawdzając, czy z dzieckiem wszystko w porządku. Dziecko śpi zdrowy sen w wiklinowej kołysce, nieświadoma tego, co się wokół dzieje. W tle mąż Marii, Józef, pracuje jako cieśla. Matka, dziecko, a nawet kołyska to typ czysto holenderski z XVII wieku. Mogłaby to być być może każda zwyczajna rodzina, gdyby nie anioły-dzieci lecące z nieba.
Powrót syna marnotrawnego. Szczegół, 1669.
Olej na płótnie, 262x206. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu
Gwałt Ganimedesa, 1635. Olej na płótnie, 171x130.
Drezdeńska Galeria Obrazów, Drezno
Sofoniba bierze kielich trucizny, 1634.
Olej na płótnie, 142x152. Muzeum Prado, Madryt, Hiszpania
Majestatyczna postać na tym obrazie bardzo przypomina Saskię, choć historia Sofoniba nie do końca odpowiada młodej żonie. Sofoniba, córka kartagińskiego wodza Hazdrubala, żyła w czasach, gdy Kartagina toczyła zaciętą wojnę z Rzymem. Aby utrwalić sojusz z Numidyjczykami, Hazdrubal poślubił swoją córkę z królem Syfaksem, jednak został pokonany przez rzymską sojuszniczkę Masinissę, która od razu zapragnęła wziąć królową za żonę. Kiedy Rzymianie zabronili mu tego małżeństwa, oszczędził Sofonibie dalszych upokorzeń, przesyłając kielich trucizny, którą królowa wypiła bez wahania. Rembrandt może nie traktował tej romantycznej historii poważnie, ale obraz przedstawia decydujący moment i przemyślane działanie, pod pewnymi względami porównywalny z bardziej znaną i mniej teatralną Batszebą.
Batszeba, 1654. Olej na płótnie, 142x142.
Luwr, Paryż, Francja
Napisane, gdy artysta był u szczytu swych sił twórczych. Wielu ekspertów uważa, że ten obraz jest najwspanialszym ze wszystkich dzieł Rembrandta. Powszechnie przyjmuje się, że ukazana piękność to Batszeba, którą widział i pożądał król Dawid. Oddała mu się i poczęła. Późniejsze komplikacje osiągnęły punkt kulminacyjny w zamordowaniu męża Batszeby, którego Dawid wysłał na śmierć. Historia nie jest przyjemna, a komentatorzy na różne sposoby tłumaczą uczucia Batszeby. Jednak, jak to często bywa w przypadku obrazów Rembrandta, prawdopodobnie błędem byłoby wchodzenie w subtelności interpretacji. Może wystarczy powiedzieć, że Batszeba ze smutkiem zastanawia się nad swoim losem. Kompozycja w dużej mierze odwzorowuje antyczną płaskorzeźbę przedstawiającą pannę młodą przygotowującą się do ślubu. Rembrandt namalował Batszebę nago i nadał obrazowi wyraźną emocjonalność. Wzorem Batszeby był prawdopodobnie przyjaciel Rembrandta, Hendrikje Stoffels.
Symeon w świątyni, 1669. Olej na płótnie, 98x79.
Sztokholm, Muzeum Narodowe
Chociaż zlecone dzieło rozpoczęło się w 1661 r., pozostawało niedokończone w pracowni Rembrandta aż do jego śmierci w 1669 r. Obraz powstał w oparciu o przepowiednię, która się spełniła. Starszemu Symeonowi przepowiedziano, że „nie ujrzy śmierci, dopóki nie ujrzy Chrystusa. Lordowie." I w końcu go spotkał, gdy Maryja i Józef przynieśli Jezusa do świątyni. Rembrandt stworzył już wspaniałą wersję na zamówienie na ten temat (1631). Tam akcja rozgrywa się pod wysokimi łukami świątyni, a sama praca wykonana jest w sposób szczegółowy, charakterystyczny dla okresu młodości, sukcesu i chwały. Tutaj swobodny styl pisania ostatnich lat jest szczególnie widoczny także dlatego, że dzieło nie jest ukończone, choć to mało istotne: wszystko skupia się na momencie, gdy na wpół ślepy starzec kołysze w ramionach owinięte Dzieciątko – scena przepełnione nieskończoną czułością.
Dawid i Uriasz, 1665. Olej na płótnie, 127x117.
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu
Nie jest znana ani dokładna data powstania obrazu, ani fabuła tego pięknego, przesiąkniętego nastrojem obrazu, co dało podstawę do różnych przypuszczeń. Według jednej wersji dzieło to kojarzone jest z „Artakserksesem, Hamanem i Esterą”. Uważa się, że przedstawia to zwolnienie Hamana ze spraw zawodowych lub moment otrzymania od króla pozwolenia na eksterminację wszystkich Żydów. Argument ten potwierdzają dowody, że oba obrazy przedstawiają sceny ze sztuki wystawionej w 1659 roku i nie opierają się bezpośrednio na źródle biblijnym. Jest tu na pewno coś teatralnego, ale poza niespójnościami w szczegółach, rzekome tematy nie odpowiadają nastrojowi ukrytego smutku, jaki budzi obraz. Dlatego powrót do starej wersji jest uzasadniony. W tym przypadku postać w kolorze czerwonym to mąż uwiedzionej Batszeby, Uriasz, którego Dawid nękany wyrzutami sumienia wysyła na pewną śmierć.
Zejście z krzyża. 1634. Olej na płótnie, 158x117.
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu
Zejście z krzyża jest częstym tematem w malarstwie europejskim. Według tradycji wśród obecnych ukazana jest Matka Boża, kilku uczniów Jezusa i Józefa z Arymatei. W latach trzydziestych XX wieku Rembrandt namalował wiele obrazów o tematyce Męki Pańskiej, w tym „Podniesienie krzyża” i „Zejście z krzyża” dla namiestnika Holandii Frederika Hendricka. Wymiary tego obrazu są większe, tony są bogatsze. Został namalowany kilka miesięcy później i znajdował się w posiadaniu samego artysty aż do 1656 roku, kiedy to zbankrutował. Zniszczona postać Chrystusa zostaje zalana jasnym światłem, Matka Boża straciła przytomność, na ziemi rozłożone są luksusowe całuny, w których będzie leżał aż do zmartwychwstania.
Ofiara Abrahama, 1635.
Olej na płótnie, 193x133. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu
Jest to jeden z najbardziej dramatycznych momentów w Starym Testamencie. Abraham na rozkaz z góry jest gotowy poświęcić swego jedynego syna Izaaka Bogu i już podniósł nad nim związany nóż, aby go zabić na ofiarę całopalną. Na obrazie Izaak leży na ołtarzu na drwach. W Pismo Święte Anioł Pański woła Abrahama, który zdał egzamin posłuszeństwa Bogu, i każe mu przestać. Rembrandt potęguje dramaturgię tego, co się dzieje: na obrazie anioł chwyta Abrahama za rękę i nóż spada. Scena jest też bardziej przekonująca, ponieważ wielka dłoń Abrahama zakryła twarz syna, głowa Izaaka była odrzucona do tyłu i wydawało się, że nóż ma wbić mu się w gardło. Inna wersja tego tematu przechowywana jest w Monachium, ale być może tylko częściowo autorstwa Rembrandta.
Uczta Belszaccara. 1635. Olej na płótnie, 168x209.
Londyńska Galeria Narodowa
Duże płótna z efektami teatralnymi były popularne w Holandii za życia Rembrandta. Uczta Belszaccara pokazuje, jak umiejętnie artysta podszedł do takich tematów. Babiloński król Baltazar opisany jest w księdze proroka Daniela w Starym Testamencie. Na ucztę zatłoczoną kazał przynieść złote i srebrne naczynia, które jego ojciec Nabuchodonozor zabrał ze świątyni jerozolimskiej. Król nakazał napełnić naczynia winem dla swoich szlachciców, żon i konkubin. Kiedy to bluźnierstwo dopełniło się, nagle pojawiła się tajemnicza ręka i napisała na ścianie dziwne słowa: „Mene, mene, tekel, upharsin”. Daniel powiedział królowi, że oznacza to jego śmierć; przepowiednia spełniła się tej samej nocy. Malarstwo Rembrandta eksploruje zdumienie i strach, spotęgowane przez wino rozlewające się ze świętych naczyń, co ma także znaczenie symboliczne. Zaskakujący jest napis wykonany w języku hebrajskim, którego szczególny układ liter przywodzi na myśl sąsiada Rembrandta, Żyda Manassesa ben Izraela, z którym, jak wiadomo, artysta utrzymywał stosunki.
Zuzanna i starsi, 1647. Mahoń, olej, 77x93.
Muzeum Staatlicha w Berlinie, Niemcy
Historia Zuzanny sięga Apokryfów – zbioru pism biblijnych, których autentyczność od dawna była kwestionowana. Nie przeszkodziło to jednak artystom – katolikom i protestantom – w tworzeniu obrazów o tej tematyce, pełnych dramatyzmu i erotycznego uroku. Gdy Zuzanna idzie nad basen w swoim ogrodzie, z ukrycia wychodzą dwaj starsi i zaczynają ją namawiać do grzechu, grożąc, że jeśli nie będzie z nimi dzieliła łóżka, złożą fałszywie zeznania, że dopuściła się cudzołóstwa z inną osobą. Zuzanna odmawia, a starsi nakazują ją aresztować, ale interwencja proroka Daniela ratuje cnotliwą piękność. Rembrandt zaczął malować ten obraz w połowie lat trzydziestych XX wieku, ale został sprzedany dopiero w 1647 roku. Zuzanna, bezskutecznie próbująca zakryć nagość, jest bardziej wściekła niż przestraszona, ale starzec zdzierający z niej welon zadziwia trafnością swojej obserwacji. Sandały porzucone na brzegu wydają się być wymownymi symbolami erotycznymi w XVII-wiecznej sztuce holenderskiej.
Św. Mateusz i Anioł, 1661.
Olej na płótnie, 96x81. Luwr, Paryż
Jeden z serii portretów apostołów namalowanych na początku lat 60-tych. W przeciwieństwie do innych portretów jednopostaciowych, tutaj za apostołem przedstawiony jest anioł, który zainspirował Mateusza do napisania Ewangelii. Anioł bardzo przypomina Tytusa, który równie dobrze mógł być dla niego wzorem, ale wygląd apostoła najwyraźniej nie przypominał Rembrandta. Oprócz znaczenia religijnego obraz wspaniale oddaje kontrast między młodością a starością, chociaż z założenia role są odwrotne. Anielski młodzieniec, spokojny i pewny siebie, pociesza Mateusza, kładąc dłoń na ramieniu starca. Święty Mateusz jest zamyślony, jego dłoń z nabrzmiałymi żyłami szarpie brodę. Książka nie jest dokładną reprodukcją starożytnego rękopisu, ale jest napisana po mistrzowsku.
Archanioł opuszczający rodzinę Tobiasza, 1637.
Drewno, olej, 66x52. Luwr, Paryż
Chrystus i kobieta przyłapana na cudzołóstwie, 1644 r.
Drewno, olej, 84x66. Narodowa Galeria Londyńska
To efektowne dzieło sprawia wrażenie dekoracji i prawdopodobnie zostało namalowane na zlecenie zamożnego klienta. Grupa środkowa ukazana jest w doskonałej kompletności i szczegółowości, od której Rembrandt stopniowo odchodził w latach 40. XX wieku. Bujna czerwono-złota dekoracja przypomina barokowy pałac, choć w rzeczywistości przedstawia Świątynię Jerozolimską. Uczeni w Piśmie i faryzeusze przyprowadzili do Jezusa kobietę przyłapaną na cudzołóstwie. Mając nadzieję, że uda im się złapać Jezusa, pytali, czy takiego należy ukamienować, jak przepisano w Prawie Mojżeszowym. Jezus odpowiedział: «Kto z was jest bez grzechu, niech pierwszy rzuci na nią kamień». Zawstydzeni oskarżyciele odeszli, a Jezus powiedział kobiecie, aby poszła i nie grzeszyła więcej. Obraz zbudowany jest na dramatycznych kontrastach: Jezus i jego uczniowie ubrani w proste brązowe szaty, czarujący zawstydzony grzesznik, uczeni w Piśmie i faryzeusze w luksusowych strojach.
Samson i Dalila, 1628. Dąb, olej, 61x50.
Muzeum Staatlicha w Berlinie
Chrystus w Emaus, 1648.
Olej na płótnie, 42x60. Luwr, Paryż
Jeden z ulubionych tematów Rembrandta, oparty na epizodzie z Ewangelii Łukasza. Po ukrzyżowaniu Jezusa dwóch jego uczniów zmierzało do Emaus, wioski niedaleko Jerozolimy. Podszedł do nich obcy człowiek, szedł z nimi, przez całą drogę wyjaśniał Pisma i spożywał z nimi posiłek w domu, do którego przyszli. Gdy połamał chleb i dał im, otworzyły się ich oczy i poznali Jezusa zmartwychwstałego, lecz natychmiast stał się dla nich niewidzialny. We wczesnej wersji tego obrazu (ok. 1629 r.) Rembrandt w dramatyczny sposób przedstawił moment objawienia: sylwetkę Jezusa i uczniów, jakby rażoną piorunem. Tutaj zostaje podkreślona naturalność i człowieczeństwo tego, co się dzieje: jedynie przyćmiona aureola nad głową Jezusa i entuzjastyczne, skierowane w górę spojrzenie wskazują na Jego boskość, czego chłopiec służący najwyraźniej nie dostrzega.
Niewiara apostoła Tomasza, 1634. Olej na desce, 53x51.
Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina w Moskwie
Święty Tomasz, jeden z dwunastu uczniów Chrystusa, jest wspominany w Nowym Testamencie wielokrotnie. Rembrandt przedstawił słynny epizod z Ewangelii Jana. Zdjęty z krzyża Jezus ukazuje się uczniom i ukazuje swoje rany. Tomasza tam nie było, a kiedy pozostali uczniowie opowiedzieli mu o tym, co widzieli, Tomasz nie chciał im wierzyć, oznajmiając: „Jeśli na rękach Jego nie zobaczę śladów gwoździ i nie włożę palca mojego w ślady gwoździ, i położę rękę na Jego boku, nie uwierzę”. Według Jana osiem dni później Jezus ponownie ukazał się uczniom i powiedział Tomaszowi, aby dotknął jego ran. Przekonany Tomasz rozpoznał w Jezusie Pana Boga. Rembrandt przedstawił scenę nocną: blask emanujący od Jezusa wydaje się być jedynym źródłem światła, od którego wierzący Tomasz odsuwa się zawstydzony.
Mojżesz z Tablicami Praw, 1659.
Olej na płótnie, 169x137. Muzeum Staatlicha w Berlinie
Prawodawca Mojżesz właśnie zszedł z góry Synaj z dwiema kamiennymi tablicami, „na których palcem Bożym wypisano” Dziesięć Przykazań. Jest to niewątpliwie wydarzenie podniosłe, choć trudno mieć pewność, czy przedstawia moment triumfu, czy gniewu, gdy Mojżesz, widząc synów Izraela oddających cześć złotemu cielcowi, wyrzucił mu tablice z rąk i stłukł je pod górą. Obraz ten mógł zostać zamówiony dla przywódcy cechu i miał ozdobić kominek w amsterdamskim ratuszu.
Józefa, który zdemaskował żonę Potyfara, 1655. Olej na płótnie, 106x98.
Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie
Rembrandta Harmensa van Rijna. Portret starca w czerwieni, 1654.
Olej na płótnie, 108x86. Ermitaż w Petersburgu
Portret Saskii jako Flory, 1634. Olej na płótnie, 125x101. Ermitaż w Petersburgu
Ten czarujący portret młodej Saskii powstał w roku, w którym poślubiła Rembrandta. Zamyślona, ale niewątpliwie szczęśliwa twarz dziewczyny jest w pełni zgodna z uczuciami panny młodej. Nakrycie głowy i laska opleciona kwiatami z pewnością wskazują na Florę, starożytną rzymską boginię wiosny. Strój bogini został namalowany z niesamowitą kunsztem, ale prawdziwa wielkość talentu Rembrandta objawia się w wyrazie czułości, jaką artysta nadał jej twarzy. Rok później namalował Saskię ponownie jako Florę, również słynne dzieło, choć prześwietlenia rentgenowskie wykazały, że pierwotnie zamierzał przedstawić ją jako biblijną Judytę z trzymaną na kolanach odciętą głową Holofernesa.
Portret starszej kobiety, 1654. Olej na płótnie, 109x84. Ermitaż w Petersburgu
Portret Jana Szóstego, 1654. Olej na płótnie, 112x102. Amsterdam, kolekcja Six
Prawdopodobnie najlepszy z portretów Rembrandta. Doskonale łączy w sobie precyzję i wnikliwość. Niektóre szczegóły portretu są starannie wyrysowane, inne odważnie zaznaczone, jakby mimochodem. Na uwagę zasługują guziki kaftana i złoty haft na luksusowym czerwonym płaszczu, jednak wzrok mimowolnie zatrzymuje się na dłoniach, pomalowanych energicznymi pociągnięciami; Six powoli zakłada rękawicę – ile ruchu w to wnosi artysta! Uwagę przyciąga także twarz, zwłaszcza zapatrzone w siebie spojrzenie, które nie do końca pasuje do świeckiego wyglądu Sixx. Klient wspomniał o tym portrecie w swoim pamiętniku: „To była twarz mnie, Jana Szóstego, który od dzieciństwa czcił muzy”. Sześciu rzeczywiście pisało wiersze i kolekcjonowało dzieła sztuki, ale był też bogatym i zaradnym kupcem. Do połowy lat 50. Rembrandt realizował dla niego wiele zamówień.
Żydowska panna młoda, 1665. Olej na płótnie, 122x164. Muzeum Rixa w Amsterdamie
Powszechna nazwa „Żydowska Oblubienica” opiera się na starej, obecnie odrzuconej interpretacji, która pojawiła się w XIX wieku. Można niemal z całą pewnością stwierdzić, że kobieta ta nie jest bynajmniej panną młodą ani Żydówką, poza tym, że ukazana jest w wyimaginowanym, pseudobiblijnym stylu, charakterystycznym dla historycznych obrazów Rembrandta. Artysta utrzymywał kontakty ze społecznością żydowską w Amsterdamie, często malując portrety Żydów, co zmuszało badaczy do przyjęcia szeregu bezpodstawnych założeń. Obecnie popularne są następujące wersje (w sumie było ich około 12): przed nami scena teatralna lub epizod z Biblii, a fabuła jest następująca: Izaak, mieszkając z Filistynami, publicznie nazywa swoją żonę Rebekę swoją siostrą i odważa się ją przytulać tylko w chwilach samotności. Co naprawdę się liczy: tę dwójkę łączy głęboka miłość. Obraz jest jednym z arcydzieł późnego okresu Rembrandta, który charakteryzuje się czerwonymi i złotobrązowymi odcieniami. Ubrania w niektórych miejscach są malowane szybkimi pociągnięciami, tony osiągają świetliste nasycenie, zaskakująco ciepłą barwę, a jednocześnie nie samowystarczalne, co tylko wzmacnia emocjonalność sceny.
Nocna Straż, 1642. Olej na płótnie, 363x437. Muzeum Rixa w Amsterdamie
Ten, ten sławny obraz Rembrandt znany jest od dwóch stuleci pod pseudonimem „Nocna Straż”. Współczesna analiza warstw farby wykazała, że pierwotnie była to scena dzienna, ale nazwa była już znana i nie można jej było zmienić. Na zdjęciu widać gildię lokalnych strzelców pod dowództwem kapitana Fransa Banninga Cocqa (w czarnym ubraniu). Kilka dekad wcześniej strzelcy straży stanowili znaczącą siłę ochotników, którzy pomagali bronić kraju przed groźbą hiszpańskiej inwazji, ale w latach 40. wiele się zmieniło: obecnie szanowani, zamożni mieszczanie zjednoczyli się w stowarzyszeniach strzeleckich. Artysta wprowadził do przedstawienia element heroizmu, jakby wskrzeszając dawny patriotyzm. Oddana jest atmosfera podobnych procesji z powiewaniem flag, bębnieniem i ładowaniem muszkietów. „Nocna straż” to portret zbiorowy, za który zapłacili wszyscy przedstawieni strzelcy, ale Rembrandt to zmienił: wprowadził przypadkowych obserwatorów, którzy mu nic nie płacili; w rezultacie portret zamienił się w wielobarwną scenę ulicznego tłumu z zagmatwanym ruchem i specyficznym oświetleniem.Obraz jest przycięty po bokach, zwłaszcza po lewej stronie, co nieco zakłóca kompozycję
Portret rodzinny, 1666-68, olej na płótnie, 126x167. Ulrich-Muzeum Duke Anton, Brunszwik
Portret syndyków z warsztatu sukienniczego, 1662. Olej na płótnie, 192x279. Muzeum Rixa w Amsterdamie
Obraz znany jest pod nazwami: „Syndycy”, „Starsi Pracowni Sukienniczej”; oba nie są do końca dokładne i kojarzą się z instytucją przy cechu sukienniczym, której zadaniem jest pobieranie próbek tkanin i sprawdzanie ich jakości. To ostatni portret zbiorowy stworzony przez Rembrandta. Osobliwy, wyrazisty nastrój nadaje temu, że urzędnicy patrzą wprost na nas z góry, a widz ma poczucie, że lada moment zostanie przesłuchany i o coś oskarżony. W zasadzie taki punkt widzenia zapewne aprobował sam komisarz, gdyż obraz miał wisieć nad kominkiem w głównym budynku cechowym, w tym samym rzędzie, co wcześniejsze portrety grupowe. Tradycyjnie przedstawiały pięciu siedzących urzędników i stojącego z tyłu służącego. Rembrandt ożywił kompozycję, zmieniając tradycje: jeden z urzędników wstaje z miejsca, jakby dając znak, że spotkanie się skończyło.
Autoportret z Saskią na kolanach, 1635.
Olej na płótnie, 161x131. Galerii Drezdeńskiej
Wesoły pan z dziewczyną na kolanach trzyma w dłoni szklankę. Na świątecznym stole jest ciasto z pawiem. Biesiadnicy siedzieli tyłem do widzów, teraz odwrócili twarze, żeby pić za nasze zdrowie. Co zaskakujące, niewiele wiadomo na temat tej pracy na pewno. W szczególności nie można zaprzeczyć autorstwu Rembrandta; istnieją informacje, że trzymał go w domu, nie chcąc go sprzedawać, być może dlatego, że obraz był mu bliski. Często nazywany jest „Autoportretem z Saskią na kolanach”. Być może para urządziła maskaradę dla zabawy, podążając za modą na sceny z życia dworskiego, a może wychwalając swój majątek. Istnieje jednak inna wersja: obraz rzekomo przedstawia marnotrawnego syna roztrwoniącego swój spadek. W tym przypadku, patrząc na zabawną scenę, nie możemy się domyślić, jak zakończy się ta historia (patrz obrazek o Powrocie syna marnotrawnego)
Portret Nicholasa Van Bumbecka. 1641.
Olej na płótnie, 106x84. Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych w Brukseli
Nicholas Van Bumbeck sam był artystą, ale – jak ze smutkiem stwierdził jeden z jego przyjaciół – bogate dziedzictwo przytępiło jego ambicje, w wyniku czego nie spełnił oczekiwań. Jednak Mikołaj patronował Rembrandtowi, kupił od niego „Spór naukowy” i zapłacił za pozowanie do jego portretu. Van Bambeck i jego przyjaciel, sekretarz Rady Stanu Maurits Heygens, najwyraźniej zamówili swoje portrety u Rembrandta w Hadze. Przyjaciele postanowili: jeśli któryś z nich umrze, jego portret powinien przejść na ocalałego, a w 1641 roku, po śmierci Bambeka, obraz w testamencie trafił do Hagensa. Na portrecie pełnym życzliwości i współczucia de Geyn wygląda na osobę pewną siebie, dumną. Miękkie, rozproszone światło korzystnie podkreśla jego sylwetkę oraz fakturę białego kołnierzyka i rękawów sukni. Jednak inny z patronów Rembrandta, brat Mauritsa, Constantine Hagens, napisał co najmniej osiem linijek poezji, w których narzekał, że portret nie ma nic wspólnego z oryginałem.
Fryderyk Richel na koniu, 1663.
Olej na płótnie, 282x248. Londyńska Galeria Narodowa
Kąpiąca się kobieta, 1654. Olej na desce, 62x47.
Galeria Narodowa w Londynie
Nieuchronnie nasuwa się porównanie z Batszebą, która powstała w tym samym czasie i niemal na pewno przedstawia ten sam model – Hendrikje Stoffels. Skojarzenia z kąpielą przywodzą na myśl nawet „Zuzannę”, jednak tego rodzaju połączenie może świadczyć jedynie o tym, że Rembrandt miał zamiłowanie do tego typu tematów i znajdował w nich pretekst do wyrażania erotyki. Chociaż przedstawiona kobieta może, ale nie musi, być uważana za postać historyczną biblijnie, z pewnością nie należy do zwykłej klasy, sądząc po luksusowym stroju leżącym na brzegu. Najwyraźniej jest to szkic. Jest napisany pospiesznymi, powierzchownymi kresami, co widać chociażby po zdjęciu nóg, ale przede wszystkim koszuli. Jednak Rembrandt musiał być dumny z tego dzieła, gdyż jest ono sygnowane i datowane.
Hendrikje Stoffels przy oknie, 1656.
Olej na płótnie, 86x65. Muzeum Staatlicha w Berlinie
Starszy mężczyzna w futrzanej czapce, 1630. Olej na desce, 22x18.
Narodowe Muzeum Tyrolskie Ferdinandeum w Innsbrucku
Portret młodej Saskii, 1633.
Dąb, olej, 53x45. Galeria Narodowa w Dreźnie
Czytanie Tytusa, syna artysty, 1657.
Olej na płótnie, 71x64. Historyczna Kunstkamera w Wiedniu
Tytus, urodzony w 1641 r., jako jedyny z dzieci Rembrandta i Saskii nie umarł w niemowlęctwie. Tutaj ma nie więcej niż piętnaście lat; wszystkie portrety syna Rembrandta, przepełnione czułą miłością, wskazują na przyjazne, łagodne usposobienie chłopca. Tytus odegrał ważną rolę w życiu artysty, będąc spadkobiercą fortuny Saskii, nad którą Rembrandt kontrolował jedynie tymczasowo, a także pełnomocnikiem ojca. W 1660 roku Tytus i Hendrickje utworzyli firmę, w której figurował Rembrandt. Zrobiono to, aby dochody artysty nie wpadły w ręce wierzycieli. Po śmierci Hendrickje Tytus nadal zarządzał sprawami ojca. W 1665 roku osiągnął pełnoletność i jeśli zgodnie z prawem zaczął gospodarować pieniędzmi Saskii, to niewątpliwie stanowił oparcie finansowe w rodzinie. W lutym 1668 Tytus ożenił się, ale siedem miesięcy później zmarł w wieku dwudziestu sześciu lat.
Portret Tytusa, syna Rembrandta, 1657.
Olej na płótnie, 69x57. Londyn, kolekcja Wallosa
Arystoteles z popiersiem Homera, 1653.
Olej na płótnie, 144x137. Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku
Mężczyzna w złotym hełmie, 1650 r.
Olej na płótnie, 68x51. Muzeum Staatlicha w Berlinie
O tym wojskowym nie ma nic do powiedzenia, jednak zdjęcie zawsze było popularne. Tym, co częściowo wyjaśnia jej urok, jest kontrast wypolerowanego napierśnika kirysu, wspaniale wykonanego hełmu (z pewnością ceremonialnego, a nie bojowego) i ponurego, melancholijnego wyrazu jej twarzy. Ten kontrast jest powszechny w autoportretach Rembrandta; być może dlatego zaczęto wierzyć, że przedstawiono tu brata artysty. W rzeczywistości wiele autorytetów odmówiło uznania autorstwa Rembrandta; ich wątpliwości potwierdziły badania w ramach Programu Badawczego Rembrandt, finansowanego przez rząd holenderski. „Stary człowiek w hełmie” to tylko jedna z „ofiar” Programu, który przypisał wiele dzieł uczniom i naśladowcom Rembrandta.
Samobójstwo Lukrecji, 1666. Olej na płótnie, 105x93.
Instytut Sztuki, Minneapolis
O samobójstwie Lukrecji wspomina starożytna rzymska legenda o przyczynach upadku monarchii i ustanowienia republiki. Lukrecja, zhańbiona przez syna rzymskiego cesarza Tarkwiniusza, opowiada mężowi o swoim wstydzie. Wzywa do zemsty, a następnie popełnia samobójstwo. Fabuła ta była często wykorzystywana przez artystów i pisarzy. Pod koniec XVI wieku, zanim stał się sławny w teatrze, Szekspir napisał długi poemat Aucretia Dishonored. Rembrandt namalował dwa obrazy na ten temat. Na początku (1664) Lukrecja trzyma nóż, przygotowując się na śmierć. Tutaj zadała sobie już śmiertelną ranę, co widać po rozprzestrzeniającej się krwawej plamie na jej cienkiej koszuli. Wciąż trzyma się w pozycji pionowej, przez chwilę chwytając dla podparcia wstążkę dzwonka - przydatne znalezisko, które pozwala opiekunce na długie trzymanie ręki w uniesionej pozycji, ale śmiertelna bladość jej twarzy wskazuje, że koniec jest bliski.
Portret Hendrikje Stopellsa, 1659.
Olej na płótnie, 68x80. Narodowa Galeria Londyńska
Nauczyciel, 1631. Olej na płótnie, 105x91.
Ermitaż w Petersburgu
Jeździec polski, 1655.
Olej na płótnie, 115x135. Kolekcja Fricka, Nowy Jork
Tajemnicza, romantyczna postać młodego jeźdźca wywołała więcej kontrowersji niż jakikolwiek inny obraz Rembrandta, którego sporne autorstwo to tylko jedna z niewiadomych otaczających dzieło. Obszyty futrem kapelusz i kaftan wyglądają na wschodnioeuropejskie, ale być może jest to tylko kolejna wycieczka w teatralną maskaradę. Jeśli tak, to obraz kojarzy się z Polską nie ze względu na fabułę, ale może tylko dlatego, że został później przejęty przez Polaków. Z drugiej strony intrygujący fakt: w 1654 r. wydano w Amsterdamie broszurę zatytułowaną „Jeździec polski” w obronie radykalnej sekty socyńskiej. Istnieje wiele dowodów na to, że Rembrandt czasami sympatyzował z sekciarstwem. Kolejna zagadka: bardzo nieprzekonująco przedstawiony koń. Można to rozwiązać, przypisując autorstwo obrazu jakiemuś uczniowi Rembrandta, na przykład Williamowi Drostowi. Tak zdecydowała komisja Programu, jednak jej badania spotkały się z krytyką i w 1993 roku Program przestał działać.
Lekcja anatomii doktora Nicholasa Tulpe, 1632.
Olej na płótnie, 170x217. Dom Mauritsa w Hadze
Rembrandt oparł ten obraz na wykładzie wygłoszonym w styczniu 1632 roku przez doktora Mikołaja Tulpe. Choć artysta dopiero niedawno przeprowadził się do Amsterdamu, już udowodnił, że potrafi dokonać wielkiego dzieła, namalował kilka wspaniałych portretów, po czym otrzymał zlecenie na „Lekcję anatomii”. Być może decydującą rolę odegrał mecenat Hendrika van Uylenburcha, u którego Rembrandt mieszkał. Eulenburch już wcześniej z powodzeniem sprzedawała obrazy, patronując i tworząc markę dla młodych artystów. Rembrandt został jego ostatnim protegowanym. Szkoła holenderska słynęła z portretów grupowych, a ten miał być prezentem dla doktora Tulpa, a jego koledzy mieli nadzieję, że pojawi się na zdjęciu w jak najkorzystniejszym świetle. Malarz poradził sobie z tym zadaniem znakomicie: oddał indywidualność każdego z nich i połączył kompozycję: Tulpe wygłasza wykład, a słuchacze z zawodowym zainteresowaniem przyglądają się zwłokom rozstrzelanego przestępcy. Dzięki Lekcji anatomii Rembrandt od razu zyskał sławę.
Portret Saskii we wspaniałej sukni, 1642.
Olej na płótnie, 100x79. Kassel, Muzeum Staatlicha
Autoportret Rembrandta, 1661. Olej na płótnie, 114x91.
Kenwood House, Londyn, angielskie dziedzictwo
Rembrandt przyjął zasadę malowania autoportretów, ale rzadko przedstawiał siebie przy pracy. W zasadzie jest to drugi z serii autoportretów, na których pojawia się on ze sztalugą, pędzlami i szlifierką, służącymi malarzom jako podpórka dla dłoni. Światło w tle to niezwykła technika niezbędna, aby widz mógł zobaczyć zakrzywione linie na ścianie za portretowaną osobą. Zaproponowano wiele wyjaśnień; Obecnie popularną wersją jest to, że linie te nawiązują do twórczości takich legendarnych artystów, jak Apelles i Giotto, którzy zademonstrowali swoje umiejętności, rysując jedną nienagannie poprawną linię lub okrąg. Jeśli to wyjaśnienie jest prawidłowe, autoportret potwierdza prawo artysty do bycia uważanym za prawdziwego mistrza swoich czasów.
Autoportret artysty przy sztalugach, 1660.
Olej na płótnie, 111x90. Luwr, Paryż, Francja
Autoportret Rembrandta, 1659. Olej na płótnie, 85x66.
Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton, USA
Autoportret Rembrandta, 1669. Olej na płótnie, 86x71.
Narodowa Galeria Londyńska, Wielka Brytania
Podobnie jak autoportret na obrazie Zeukisa, ten powstał w ostatnim roku jego życia. To prawda, że tym razem nie ma śladu czarnego humoru i nie ma otwartych wskazówek o zbliżającej się śmierci. Na żadnym innym autoportrecie Rembrandt nie wydaje się tak pokornie poddany losowi. Starszy artysta ubrany w prostą sukienkę, załamując ręce, patrzy na nas, o nic nie prosząc, na nic nie narzekając. Nigdy nie wiadomo, czy śmierć Tytusa we wrześniu 1668 r. przyspieszyła jego koniec. W każdym razie trzynaście miesięcy później, 4 października 1669 roku, zmarł w swoim domu w Rosengracht, mając zaledwie 63 lata. Cztery dni później został pochowany na amsterdamskim cmentarzu w Westerkerk. Grób Rembrandta zaginął, ale jego dzieła przetrwają stulecia.
Autoportret jako Zeuxis, 1665. Olej na płótnie, 83x65.
Muzeum Walfrafa Richhartza w Kolonii, Niemcy
Rembrandt malował się pod różnymi kątami, w najróżniejszych przebraniach. Czasami oceniał siebie trzeźwym spojrzeniem, dostrzegając oznaki starości na swojej sinej, zwiotczałej twarzy, ale często lubił pojawiać się w różnych wizerunkach: przebierał się za wojownika w zbroi, potem za okazałego króla, albo za Apostoł Paweł. Tutaj widoczne są cechy obu stylów. Przedstawiony jest wątły starzec, którego twarz zniekształcił czas niemal nie do poznania, znacznie bardziej niż na autoportrecie z tego samego roku. Wszystko wskazuje na to, że jest o krok od śmierci. Ale nie zapominaj, że jest to także portret Zeuxisa, starożytnego greckiego artysty. Jak wiadomo, namalował starą kobietę o pomarszczonej twarzy, a jej wizerunek tak go rozbawił, że śmiał się bez przerwy aż do śmierci. Łącznikiem jest tu oczywiście śmierć i jeśli ten autoportret jest żartem, to jest pełen czarnego humoru.
Autoportret, 1629. Olej na desce, 16x13.
Pinakoteka Alta w Monachium
Autoportret, 1659. Olej na płótnie, 85x66.
Waszyngton, Narodowa Galeria Sztuki
Autoportret. 1658. Olej na płótnie, 134x104.
Kolekcja Fricka, Nowy Jork
Autoportret w sztruksowym berecie, 1634.
Olej na płótnie, 58x48. Muzeum Staatlicha w Berlinie. Niemcy
Do 1634 roku Rembrandt namalował już kilka autoportretów, a było ich znacznie więcej. Żaden artysta przez całe życie nie przyglądał się tak wnikliwie sobie, zastanawiając się nad starością, nagromadzonymi doświadczeniami, sukcesami i porażkami. Tutaj nacisk wydaje się być położony na sukces. Ubrany w czarny aksamit i drogie futra młody modny artysta z pewnością patrzy na widza. Jednak nie jest to celebracja bogactwa i obłudy. Wzrok Rembrandta już próbuje pojąć tajemnicę istnienia. Dwudziestoośmioletni artysta to wyraźnie ta sama osoba, co niepokorny pięćdziesięciopięcioletni mistrz, a także sześćdziesięciotrzyletni mężczyzna, który doświadczył smutków i trudów i jest o krok od śmierć (Autoportret w przebraniu Zeukisa). Duchowe pokrewieństwo autoportretów jest szczególnie imponujące, jeśli pamiętamy, że tutaj Rembrandt nie osiągnął jeszcze szczytu sukcesu i właśnie ma się pobrać, nie zdając sobie sprawy, jakie próby go czekają w przyszłości.
Rembrandt Harmens van Rijn to największy holenderski artysta i grafik. Jest przedstawicielem „wielkiego Holendra”: holenderskich artystów, którzy malowali swoje obrazy na wielkoformatowych płótnach.
Rembrandt Harmens van Rijn urodził się 15 lipca 1606 roku w Holandii, w mieście Leiden. Jego ojciec Harmen van Rijn był zamożnym młynarzem, a matka Neltje Willems van Zeitburg była córką piekarza. Rembrandt był szóstym dzieckiem w dużej rodzinie.
W Leiden Rembrandt studiował w szkole łacińskiej i w wieku 13 lat wstąpił na uniwersytet w Lejdzie, ale tam nie pozostał. Chłopiec bardziej zainteresował się malarstwem i ojciec Rembrandta, widząc talent syna, mu pomógł. W wieku 16 lat Rembrandt rozpoczął naukę sztuk wizualnych u swojego pierwszego nauczyciela, Jacob van Swanenburch – Malarz historyczny z Lejdy, syn Izaaka Claesa Swanenburcha – najwybitniejszego artysty miasta końca XVI wieku. Co więcej, Rembrandt był dalekim krewnym Jacoba van Swanenburcha.
W 1623 roku Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu, gdzie przez sześć miesięcy studiował u Pietera Lastmana, który zasłynął z przedmiotów historycznych, mitologicznych i biblijnych. Rembrandt przyszedł do jego warsztatu jako nastolatek, więc wiele się nauczył od tego bardzo znanego wówczas artysty. To w swoim warsztacie Rembrandt nauczył się sztuki grawerowania. Zamiłowanie Lastmana do różnorodności i nadmiernej szczegółowości początkowo miało ogromny wpływ na młodego Rembrandta. Wczesne obrazy Rembrandta: „Ukamienowanie św. Szczepana Apostoła” (1625. Lyon. Muzeum Sztuk Pięknych), „Palamedea przed Agamemnonem” (1626), „Chrzest Eunucha” (1626. Utrecht. Państwowe Muzeum Katharineconvent), „Koncert” (Muzyczna lekcja zmysłowej miłości) (1626. Muzeum Państwowe w Amsterdamie. Rijksmuseum), „Dawid z głową Goliata” (1627. Bazylea. Otwarta kolekcja dzieł sztuki), „Tobit się modli” (Tobit oskarża Annę o kradzież dziecka ) (1626. Muzeum Państwowe w Amsterdamie, Rijksmuseum), „Balaam i osioł” (1627). Obrazy te są bardzo kolorowe, szczegółowo odwzorowane są szczegółowe detale i rzetelnie oddane jest samo otoczenie biblijnej legendy. Ale już w tych wczesnych obrazach pojawiają się efekty światła i cienia, które uczyniły autora tak sławnym.
W 1627 Rembrandt wrócił do Lejdy. W wieku dwudziestu lat samodzielnie pracował nad obrazami, a także rytował. Rembrandt spacerując ulicami, utrwalał dłutem na lakierowanej desce obrazy, które mu się podobały. Tworzy także cykle grafik przedstawiających swoich bliskich oraz autoportrety. W Lejdzie Rembrandt współpracował ze swoim przyjacielem Janem Lievensem, który był równie utalentowany. Artyści wzajemnie na siebie wpływają na swoją twórczość, a czasami pracują nad tym samym tematem w formie swego rodzaju współautorstwa. Z tego powodu historykom sztuki dość trudno jest rozróżnić obrazy Rembrandta i Lievensa z lat 1628–1632. Część arcydzieł Livensa przypisywano Rembrandtowi, mniej wartościowe obrazy tego ostatniego uznawano za dzieła Levinsa.
Już w latach lejdeńskich oryginalność Rembrandta zaczęła ujawniać się w sposobie rozwijania tematów. Podobnie jak inni mistrzowie baroku, Rembrandt badał znaczenie światłocienia w przekazywaniu emocji. Na twórczość Rembrandta mieli wpływ tacy artyści jak Joris van Schooten, twórca całej serii obrazów zbiorowych, Luca Leiden, którego pędzel należy do obrazu Sądu Ostatecznego, Peter Paul Rubens, uważany wówczas za najlepszego artystę w Europie, Niemiec artysty Adama Elsheimera, a także obrazy karawagistów, jego nauczycieli dotyczące pracy ze światłem i cieniem. Obrazy Rembrandta najbliższe stylowi karawagistów to „Zmieniacz pieniędzy” (Przypowieść o głupim bogaczu) (1627, Berlin), „Wprowadzenie do świątyni” (1628), „Chrystus w Emaus” (1629) . Portret, na którym artysta uchwycił się w pracowni podczas pracy nad obrazem, jest pierwszym malarskim autoportretem Rembrandta, jaki do nas dotarł (1628).
W 1629 roku artysta został zauważony przez sekretarza Stadtholdera Konstantina Heygensa, poetę i filantropa. W jednym ze swoich listów Hagens opisuje Lievensa i Rembrandta jako obiecujących młodych artystów. Porównuje płótno Rembrandta „Judasz zwraca trzydzieści srebrników” (1629. zbiory prywatne) z najlepszymi dziełami Włoch, choć potępia zaniedbanie rysunku przez artystę. Prawdopodobnie dzięki pośrednictwu Hagensa Rembrandt nawiązał kontakt z zamożnymi klientami, a namiestnik zaczął pozyskiwać obrazy Rembrandta i Lievensa. Rembrandt namalował kilka obrazów o tematyce religijnej dla księcia Orańskiego. Męka Chrystusa nie była jednak wielkim sukcesem.
W 1631 roku Rembrandt ponownie przeniósł się do Amsterdamu, który w tamtym czasie był uważany za drugą Wenecję. Rembrandt spotyka wielu ludzi różnych klas. Liczne portrety wskazują, że artysta należał do najwyższych warstw amsterdamskiego społeczeństwa. Pozowali mu zwykli ludzie historie biblijne. Pierwsze dziesięć lat po przeprowadzce Rembrandta do Amsterdamu upłynęło pod znakiem powstania wielu dzieł o imponujących rozmiarach i tematyce. W badaniach głów męskich i żeńskich bada mimikę twarzy i wyjątkowość każdego modela. Artysta często maluje autoportrety, przedstawiając siebie w fantastycznych strojach i misternych pozach. Rembrandt drukuje własne ryciny, a każdy nadruk różni się od poprzedniego kilkoma pociągnięciami lub liniami. Te wydruki szybko się wyprzedały. Jego prace znalazły nabywców zarówno w kraju, jak i za granicą.
Rembrandt staje się zapalonym kolekcjonerem drogich i rzadkich przedmiotów. Wypełnił swoją rezydencję nad brzegiem niedawno wykopanego kanału dziełami sztuki, które kupił od handlarzy antykami. Były to obrazy i ryciny włoskich mistrzów, kilka dzieł Rubensa, a także zabytkowe popiersia, broń, instrumenty muzyczne, zbroje indyjskie i fantazyjne przedmioty codziennego użytku. Artysta uważnie studiował dzieła wielkich poprzedników i współczesnych, takie jak Tycjan i jego „Ariosto”, portret Baltazara Castiglione autorstwa Rafaela i portrety van Dycka.
Portret zbiorowy „Lekcja anatomii doktora Tulpa” (1632. Haga, Mauritshuis) gloryfikował Rembrandta i uważany jest za pierwsze wielkie dzieło artysty. W 1555 roku w Holandii uchwalono ustawę zezwalającą lekarzom na badanie ciała ludzkiego, a wielu lekarzy prowadziło wykłady na temat budowy anatomicznej człowieka w specjalnych teatrach anatomicznych. Na obrazie „Lekcja anatomii doktora Tulpa” dr Nicholas Tulp (prawdziwe nazwisko Claes Pieterszoon), wybitny amsterdamski chirurg i naukowiec, kierujący katedrą anatomii, demonstruje lekarzom budowę mięśni lewego przedramienia. Obraz zachwyca realizmem i naturalizmem. Kompozycja jest dość oryginalna, nie odbiega od utartego schematu, kiedy postacie ustawiano wokół stołu lub ustawiano w równoległych rzędach, tak aby głowy portretowanych były jednakowo widoczne dla widza. Wbrew panującej tradycji formalnej, chirurdzy przedstawiani są w naturalnych pozach, a łączy ich piramidalna kompozycja ludzi pasjonujących się tym procesem. Rembrandt potrafił za pomocą mimiki i gestów przekazać myśli i uczucia wykładowcy i jego uczniów. Rembrandt przywiązuje dużą wagę do oświetlenia, które wypełnia obraz, tworząc szczególne napięcie na płótnie. Obraz „Lekcja anatomii doktora Tulpa” przyciągnął uwagę wielu amsterdamczyków, którzy chcieli przeniknąć publiczność instytucja medyczna tylko po to, żeby na nią spojrzeć.
W 1634 roku Rembrandt poślubił Saskię van Uylenburgh, bogata dziewczyna, pochodzący z bardzo szlacheckiej rodziny. Wydarzenie to powiększyło ich majątek, otwierając przed artystą drzwi mieszczańskich rezydencji. Na specjalne zamówienie Rembrandt wykonał portrety grupowe. Klienci woleli być rysowani ze współmałżonkiem. Rembrandt namalował dziesiątki takich portretów, najczęściej przedstawiających małżonków na dwóch różnych płótnach. Tylko dwa razy malarz maluje portret podwójny, bo nie jest łatwo przekonująco umieścić dwie osoby na jednym płótnie.
„Budowniczy statku i jego żona” (portret Jana Rijksena i jego żony Griet Jans) (1633. Londyn. Kolekcja królewska).
Artysta umieszcza parę w prywatnym otoczeniu. Epizod, w którym żona dostarcza list do męża pracującego w biurze, zamienia obraz w scenę rodzajową. Kolorystyka obrazu jest powściągliwa, dominuje czerń i biel. Główne akcenty artysta umieszcza na twarzach i niektórych elementach wyposażenia wnętrz. To najpiękniejszy holenderski portret zbiorowy tamtych czasów. Osiem lat później Rembrandt namalował kolejny podwójny portret: „Kaznodzieja sektymenonitów Cornelis Claes Anslo i jego żona Altier Gerrit Schouten” (1641. Berlin. Muzea Państwowe, Galeria Sztuki). Kompozycja jest dość nieoczekiwana, postacie są przesunięte w prawo i zajmują tylko połowę płótna. Kompozycję równoważą gest ręki Anslo i książki leżące na stole.
W portretach kobiet i mężczyzn Rembrandt starannie maluje głowę zwróconą do przodu lub w trzech czwartych i wyraziście przedstawia dłonie. Jego portrety w pełna wysokość. W XVII wieku podobieństwo było najważniejsze, ale portrety Rembrandta mają charakter głęboko psychologiczny. Tło stopniowo zmienia się z ciemnego na jasne, dzięki czemu postać zdaje się wyłaniać z cienia. Niektóre osoby wolą być przedstawiane bez biżuterii, często w prostym garniturze, ozdobionym jedynie koronką na kołnierzyku i mankietach. Portrety Rembrandta wyróżniają się kompletnością, poczuciem intymności i intymności. Wiele z nich ma owalny kształt. Rembrandt przedstawiał głównie kupców z małżonkami, preferując portret męski. „Marten Looten” (1632. Los Angeles. Okręgowe Muzeum Sztuki), „Mężczyzna naprawiający pióro” (1632. Kassel. Art Gallery), „Kobieta z księgą Psalmów” (1632. Nivaa. City Collection of Paintings), „Człowiek ze spiczastą brodą” (1632. Nowy Jork. Metropolitan Museum of Art), „Albert Kuyper” (1632. Paryż. Luwr), „Jacob de Geyn Trzeci” (1632. Londyn. Dulwich Gallery) i dziesiątki inne portrety powstały w krótkim czasie. Być może uczniowie pomogli artyście w malowaniu tła i ubrań modelek. Zamówień było wiele i Rembrandt nie mógł sobie pozwolić na osiągnięcie tej przenikliwej psychologii, która była obecna w jego pierwszych portretach.
„Portret naukowca” (1631. St. Petersburg. Ermitaż). Obraz przedstawia mężczyznę o zamyślonym spojrzeniu w trakcie pracy. Obecnie bardzo trudno jest wiarygodnie ustalić zawód osób portretowanych przez Rembrandta. W portrecie nie ma formalizmu. Obraz ten zajmuje godne miejsce w kameralnych portretach artysty.
Najważniejsze portrety tamtych lat wykonała żona artysty, Saskia, w różnych sceneriach „Saskia” (1633. Drezno. Galeria Obrazów), „Portret Saskii” (Portret Kassel) (1635. Kassel. Galeria Sztuki). Na portrecie „Flora” (1634. Petersburg. Ermitaż) artysta przedstawia Saskię w stroju Flory, tworząc wizerunek bogini. Rembrandt starannie maluje twarz, detale ubioru i wieniec z kwiatów na głowie Saskii. W istocie obraz ma charakter duszpasterski. „Autoportret z Saskią na kolanach” (Syn marnotrawny w karczmie, Alegoria miłości i wina) (1638. Drezno. Galeria Malarstwa) to jedyny autoportret malarza, na którym nie jest on przedstawiony sam. Artysta malował się w świetnym humorze z Saskią siedzącą na kolanach i trzymającą kieliszek wina. Paw na stole jest symbolem bogactwa. Ich ubrania są eleganckie i egzotyczne.
Rembrandt tworzy wiele obrazów o tematyce mitologicznej i historycznej. Artysta wypełnił te obrazy treścią emocjonalną, podczas gdy znaczenie filozoficzne pozostało w tle. „Gwałt Europy” (1632. Los Angeles. Muzeum Paula Getty’ego) fabuła jest tradycyjna dla malarstwa włoskiego. „Gwałt Ganimedesa” (1635. Drezno. Galeria obrazów) w micie o tym, jak orzeł porwał młodego Ganimedesa, by zostać podczaszym Zeusa. I tutaj Rembrandt zlekceważył tradycję i zamiast nastolatka przedstawił kapryśne, pulchne czteroletnie dziecko. Jego Ganimedes bardziej przypomina Kupidyna Rubensa. Porwanie przeraża dziecko, które wypuszcza strumień z twarzą wykrzywioną w przerażeniu.
„Danae” (1636. Petersburg. Ermitaż). Według legendy król Argiwów Akrisjusz, ostrzeżony przez wyrocznię, że zginie z rąk przyszłego wnuka, uwięził w pokoju swoją córkę Danae. Zeus odwiedził dziewczynę w postaci deszczu złota, poczęwszy Perseusza. Rembrandt nie przedstawia złotego deszczu. To nie przypadek, że Kupidyn jest przedstawiony nad łóżkiem Danae. Wyrafinowana, zmysłowa i kobieca Danae jest często uważana za „Wenus Północy”. Cały obraz jest przesiąknięty światłem. Obraz został podarowany przez artystę Huygensowi.
Rembrandt malował także na tematy biblijne, wybierając tematy niepopularne wśród innych artystów. „Modlący się Tobit” (Tobiasz oskarża Annę o kradzież koźlęcia) (1626. Amsterdam. Rijksmuseum), „Dawid z głową Goliata” (1627. Bazylea. Otwarte zbiory dzieł sztuki), „Opłakiwanie Jeremiasza” (1630. Muzeum Państwowe Amsterdamu, Rijksmuseum) zostały namalowane przez artystę jeszcze w okresie lejdeńskim. „Święto Belszaccara” (Mene, Tekel, Fares) (1635. Londyn. Galeria Narodowa) robi na widzu dziwne wrażenie ze względu na nierównomierne przycięcie obrazu po obu stronach. Belszaccar dominuje nad grupą, na ich twarzach postacie napisano prawdziwy horror, ponieważ napis przepowiada porażkę w bitwie z perskim królem Dariuszem. Wrażenie niepokoju potęguje dramatyczne oświetlenie sceny.
„Ofiara Abrahama” (1635. Petersburg. Ermitaż) ma dramatyczną fabułę. Anioł w ostatniej chwili chwyta Abrahama za rękę, zapobiegając w ten sposób tragedii. Nóż zamrożony w powietrzu dodaje scenie dodatkowego napięcia. „Wesele Samsona” (Samson zadaje gościom zagadkę) (1638. Drezno. Galeria sztuki). Na tym obrazie Rembrandt rozwiązuje trudny problem kompozycyjny: ustawienie dużej liczby osób wokół stołu. Być może artyście pomógł szkic wykonany z obrazu Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza”. „Pożegnanie Dawida z Jonatanem” (1642. St. Petersburg. Ermitaż). Biblia opisuje, jak Dawid i Jonatan przytulali się i razem płakali. Rembrandt był w stanie oddać wewnętrzny dramat Jonathana, przedstawiając go od tyłu. Światłocień w tych obrazach osiąga niespotykane dotąd bogactwo odcieni. W ciepłych barwach dominują połyskujące czerwienie i złociste brązy.
Obraz „Nocna straż” (1642 r. Amsterdam. Muzeum Państwowe w Amsterdamie. Rijksmuseum) jest obecnie symbolem narodowym Holandii. W 1642 roku Rembrandt otrzymał zamówienie na przedstawienie jednego z sześciu licznych oddziałów amsterdamskich muszkieterów kapitana Fransa Banninga Cocka do nowego budynku Towarzystwa Strzeleckiego. Dwa kolejne zamówienia na wykonanie portretu trafiły do jego uczniów. „Straż nocna” to wyjątkowy portret zbiorowy, przedstawiający wydarzenie, a nie tylko pozujących muszkieterów. Ponadto wielkość płótna uderza swoją skalą. Rembrandt odszedł od kanonów portretu holenderskiego, antycypując w ten sposób artystyczne odkrycia malarstwa realistycznego XIX wieku.
Obraz przedstawia wyruszającą na akcję kompanię oraz kilku nieznanych przechodniów przy bramie. Oddział został ukazany w ruchu, a scena okazała się bardzo realistyczna. Z daleka powstaje iluzja, że postacie zbliżają się do widza. Trudno mówić o kompozycji obrazu, gdyż został on ścięty z trzech stron, przez co wydaje się, że postacie są ciasne wewnątrz płótna. Obraz opiera się na grze obszarów oświetlonych i zacienionych. Rembrandt za pomocą światła podkreśla dwie postacie na pierwszym planie. Postać w czerni – Kapitan Kok wyciąga rękę do przodu. Jego towarzysz jest skutecznie oświetlony, każdy szczegół jego ubioru jest szczegółowo dopracowany. Uwagę widza przykuwa oświetlona postać dziewczyny w tle obrazu. Obraz przedstawia ponad dwadzieścia postaci. Klientom nie spodobał się fakt, że część muszkieterów znajdowała się w tle lub niemal całkowicie pokrywała się z postaciami stojącymi z przodu. Poza tym obraz przypominał niedawną holenderską rewolucję wyzwoleńczą. Klienci odmówili przyjęcia tego obrazu. Obraz „Nocna straż” okazał się punktem zwrotnym w karierze Rembrandta. Wielu studentów go opuszcza i staje się poszukiwanymi artystami. Saskia umiera w 1642 roku, rok po urodzeniu syna Tytusa. Modne stają się wesołe, kolorowe obrazy z mnóstwem starannie wykonanych detali i wzorów. Sam Rembrandt otrzymał nowy porządek publiczny dopiero 14 lat później.
Informacje dokumentalne dotyczące życia prywatnego Rembrandta w latach czterdziestych XVII wieku. Niewielu przeżyło. Niania jego syna, Geertje Dirks, pozwała go za złamanie obietnicy zawarcia małżeństwa, więc artysta musiał zapłacić, aby rozwiązać konflikt. Pod koniec lat czterdziestych XVII wieku Rembrandt związał się z inną ze swoich pokojówek, Hendrikje Stoffels. Rada parafialna potępiła Hendrickje za „grzeszne wspólne pożycie” po urodzeniu ich córki Kornelii w 1654 roku. Pokojówki pozowały Rembrandtowi do obrazów: „Kobieta w łóżku” (Gertje Dirks?) (1647. Edynburg. National Gallery of Scotland), „Hendrickje Stoffels” (1650. Paryż. Luwr) „Kobieta kąpiąca się w rzece” (Hendrickje Stoffels Kąpiel w rzece) (1654. Londyn. Galeria Narodowa), „Hendrickje Stoffels at otwarte drzwi„(okres 1650-1660. Berlin. Muzea państwowe. Galeria sztuki).
Rembrandt malował także portrety swojego syna: „Tytus przy biurku” (1655. Rotterdam. Boijmans-van Beuningen Museum), „Tytus” (1657. Londyn. Wallace Collection), „Tytus w szatach mnicha (Tytus w forma św. Franciszka)” (1660. Muzeum Państwowe w Amsterdamie. Rijksmuseum). W 1653 roku artysta przekazał prawie cały swój majątek swojemu synowi Tytusowi, a w 1656 ogłosił upadłość. Po sprzedaży w latach 1657-58. domu i posiadłości artysta przeniósł się na obrzeża Amsterdamu, do dzielnicy żydowskiej. Śmierć Tytusa w 1668 roku była dla artysty jednym z ostatnich ciosów losu. Rembrandt umiera rok później.
„Syndycy warsztatu sukienniczego” (1661. Amsterdam. Rijksmuseum) - surowy i powściągliwy portret grupowy. Mężczyźni siedzący przy stole są bardzo ważni. Czerwony dywan wyróżnia się na tle ubranych na czarno kupców.
Ostatnie dwie dekady życia Rembrandta stały się szczytem jego umiejętności jako portrecisty. Pozują mu przyjaciele i nieznani żołnierze, starcy i kobiety. Ich twarze rozświetla wewnętrzne światło. „Jan Six” (1654. Amsterdam. Fundacja Six), ciągnąc rękawiczkę na dłoni, wyróżnia się harmonią koloru i szerokością pociągnięć impasto. Rembrandt tworzy dramatyczne i intensywne obrazy: „Artakserkses, Haman i Estera” (1660. Moskwa. Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina) i „Zaparcie się apostoła Piotra” (1660. Państwowe Muzeum w Amsterdamie. Rijksmuseum). „Powrót syna marnotrawnego” (1666. St. Petersburg. Ermitaż)
„Haman poznaje swój los” (Dawid i Uriasz) (1666. St. Petersburg. Ermitaż). Wielokrotnie próbowali zinterpretować ten obraz, ale nie ma jednej przekonującej wersji. Przypomina to raczej fantazję Rembrandta na temat historii biblijnej. Obraz jest bardzo wzruszający dzięki gestowi i wyrazowi twarzy głównego bohatera.
W sumie Rembrandt stworzył w ciągu swojego życia około 500 obrazów (z których zachowało się około 300), 600 rycin i rycin, 1400 rysunków.
Spośród wszystkich malarzy świata zachodniego Rembrandt jest uznawany za portrecistę o największej wnikliwości psychologicznej. Rembrandt Harmens van Rijn to najwybitniejszy przedstawiciel sztuki holenderskiej.
Wielki Holender Rembrandt Harmens van Rijn urodził się w 1606 roku w mieście Lejda. Po ukończeniu studiów jako praktykant, w wieku 19 lat rozpoczął pracę jako niezależny artysta.
W jego pierwszych kompozycjach biblijnych zauważalny jest wpływ włoskiego baroku: w ostrych kontrastach światłocienia i dynamice kompozycji. Ale Rembrandt szybko znalazł swój własny styl w wykorzystaniu światłocienia do wyrażania emocji na portretach.
W 1632 roku malarz przeprowadził się do Amsterdamu i poślubił bogatego patrycjusza. W tym okresie odniósł szczególne sukcesy, był sławny i szczęśliwy. A jego prace nasycone są bogatą kolorystyką i tchną radością. Maluje duże kompozycje religijne, wiele portretów i autoportretów z ukochaną żoną.
Rembrandt zasłynął szczególnie jako portrecista, malując w swojej karierze ponad sto portretów i dziesiątki autoportretów. Artysta odważnie eksperymentował w poszukiwaniu szczególnej wyrazistości twarzy, przedstawiając siebie.
Rembrandt jako pierwszy rozwiązał problem nudnych portretów grupowych, jednocząc ukazane osoby we wspólnym działaniu, co nadało twarzom i postaciom naturalną swobodę.
Artystę uwielbił portret zbiorowy zatytułowany „Lekcja anatomii doktora Tulpa” (1632), który przedstawia nawet nie rządy pompatycznych twarzy, ale bohaterów fascynującej historii, jakby złapanych przez artystę w środku akcji.
Za ukoronowanie talentu Rembrandta jako portrecisty badacze uważają „Straż nocną” (1642), zamówiony portret stowarzyszenia strzeleckiego. Jednak klienci nie zaakceptowali obrazu, odrzucając nowatorski pomysł, w którym zamiast ustawionych w szeregu strzelców przedstawiono heroiczną kompozycję o tematyce walki wyzwoleńczej. Strzelcom, wśród których była szlachta, obrazy te wydawały się obce i politycznie przedwczesne.
To odrzucenie stało się pierwszym tragicznym akordem w życiu artysty. A kiedy zmarła jego ukochana żona, dzieło Rembrandta straciło radosne nuty. Lata czterdzieste XVII wieku stały się okresem spokojnych motywów biblijnych, w których artysta coraz subtelniej odsłaniał odcienie przeżyć emocjonalnych bohaterów. W jego grafice światłocień gra jeszcze wdzięczniej, tworząc dramatyczną atmosferę.
W „Danae” (1647) artysta ujawnił swoje poglądy estetyczne na temat kobiece piękno, przeciwstawiając się renesansowi. Jego nagie Danae zdecydowanie odbiega od klasycznych ideałów, ale jest zmysłowe i ciepłe, niczym żywa kobieta.
Okres dojrzałości twórczej Rembrandta przypadł na lata pięćdziesiąte XVII w. – czas trudnych prób życiowych. Jego majątek został sprzedany na aukcji za długi, ale malarz praktycznie nie realizował zamówień. Malował portrety bliskich, zwykli ludzie i starzy ludzie. Szczególną uwagę artysty, za pomocą plam rozproszonego światła, skupiono na twarzach o bogatych, choć subtelnych emocjach i zmęczonych dłoniach.
Rembrandt na swój sposób interpretował obrazy biblijne, wyraźnie „przyziemne” legendy religijne, pozbawiając je tego, co nieziemskie. Często nadawał twarzom świętych rysy konkretnych osób, które pozowały mu do obrazów.
W połowie lat pięćdziesiątych XVII wieku malarz stał się prawdziwym mistrzem, umiejętnie pokonując światło i kolor na rzecz emocjonalnej wyrazistości obrazów. Ale przeżył swoje życie w biedzie i samotności, pochowując swoją drugą żonę i syna. Najnowsze prace artysty nawiązują do zderzenia ludzka dusza zło z dobrem. Końcowym akordem było główne arcydzieło mistrza „Powrót syna marnotrawnego”, napisane w 1669 roku, roku śmierci artysty. Skruszony syn, klęcząc, wyraził całą tragedię ścieżki życiowej człowieka, a na obrazie ojca widać samą miłość i nieskończone przebaczenie.
Atrybucja obrazów Rembrandta dokonywana jest na podstawie najnowszych badań grupy renomowanych naukowców nad jego twórczością i jest aktualizowana w toku aktualnie prowadzonych badań. „Projekt Badawczy Rembrandt” powstał w 1968 roku i postawił sobie za cel weryfikację autentyczności i własności obrazów mistrza w oparciu o szczegółowe badania każdego z nich, z wykorzystaniem najnowszych osiągnięć historycznych i technicznych w tej dziedzinie.
Układ albumu i tłumaczenie - Konstantin (koschey)
- Indywidualny przedsiębiorca: wszystko o indywidualnych przedsiębiorcach, w jasnym języku
- Sinkwine Kompilacja syncwine w materiałach edukacyjnych i metodologicznych dla szkoły podstawowej (klasa 3) na temat Sinkwine na temat szkoła
- Siergiej Rodin „Nikt poza tobą nigdy nie widzi świata. Nikt nie widzi świata twoimi oczami”
- Słowa kluczowe Roberta Kiyosakiego